Hijo de un carretero y de una cocinera, Haydn se distinguió muy pronto de niño
soprano, dotada de una memoria musical de sabio. Cantó con la clase mundial
coro de la Catedral de San Esteban de Viena hasta 1749, cuando su voz cambió y
le obligó a emprender una nueva carrera. Durante los siguientes años, se ganó la vida como
profesor a tiempo parcial y músico independiente, a veces incluso tocando en la calle
por las monedas que le sobran a los desconocidos.

A los 25 años su suerte cambió, tras ser contratado por el noble bohemio y músico
patrón, el conde Morzin. Durante los tres años en que Haydn ejerció de conde
director musical y compositor de la corte, terminó sus primeras 15 sinfonías, así como un
impresionante variedad de música de cámara, serenatas y divertimentos.

En 1761 Haydn, que se había casado recientemente, aceptó una oferta de trabajo del príncipe Pablo
Anton Esterházy. Aunque el Príncipe murió al año siguiente, Haydn se llevó incluso
mejor con su hermano y sucesor, Nicolaus, que inmediatamente se hizo querer
proponiendo un salario más alto. Haydn trabajaría para la corte de Esterházy durante casi
tres décadas, durante las cuales produjo una cantidad asombrosa de música: 50
cuartetos; 45 sonatas para teclado; un considerable surtido de óperas italianas y
singspiels para el teatro de marionetas que la familia mantenía; y, porque el
Prince tocaba el barítono, un instrumento de cuerda con trastes que se parece a la viola
d'amore, al menos 126 tríos de barítono.

Haydn también compuso unas 80 sinfonías, madurando como orquestador y encontrando
nuevas formas de alimentar su imaginación salvaje. La Sinfonía en mi menor es una de las siete
sinfonías en clave menor que escribió entre 1767 y 1773. Hacia 1771, más o menos,
En la época de su composición (cuya fecha exacta se desconoce), había
desarrolló un estilo compositivo que más tarde (anacrónicamente) se llamó Sturm und
Drang (Tormenta y Tensión), por un movimiento literario que surgió a finales del XIX
siglo. A pesar de las etiquetas y las categorías, la brillante ejecución de Haydn, proto-
El enfoque romántico valoraba la originalidad, el vigor y la pasión por encima de la elegancia y el equilibrio,
y la contención, las señas de identidad de la música clásica, al menos en lo que se refiere a
entendida.

El apodo de la Sinfonía nº 44, "Trauer" ("Luto"), hace referencia a un popular pero
de la que se dice que Haydn pidió que el tercer
movimiento de la sinfonía sea tocado en su servicio fúnebre. En cualquier caso, el
El Adagio no estaba en el programa del eventual funeral de Haydn, que tuvo lugar más
más de 30 años después del estreno de la Sinfonía nº 44. Pero la sinfonía en su conjunto
se interpretó poco después de la muerte de Haydn, en un concierto conmemorativoative en Berlín,
y, tal vez por eso, el apodo de "Trauer" se quedó.

Una escucha más atenta
El primero de los cuatro movimientos de "Trauer" es feroz, propulsivo, lleno de contrastes.
Marcada como Allegro con brio, está ambientada en la tonalidad de mi menor. Aunque el
movimiento sigue la forma sonata y otras convenciones clásicas, hace que algunos
atrevidas incursiones en la disonancia, especialmente en su conclusión rigurosamente contrapuntística.

El segundo movimiento, marcado como Allegretto, es un minueto, en mi menor, y un trío, en mi
Mayor. Aunque la forma de minueto y trío es una característica estándar del Clásico
sinfonía, suele ocupar el tercer movimiento, no el segundo. Aquí Haydn
experimenta con el procedimiento de "Canone en diapasón", guiándonos por
caminos entre la melodía y la línea de bajo. En la parte del minué, los violines y
El primer oboe introduce el tema, y el segundo oboe, las violas y las trompas lo retoman en
la octava. El trío central asciende al radiante modo paralelo de Mi Mayor, antes de
el minueto vuelve, restaurando el modo menor.

Gracias a su tempo y a su instrumentación -cuerdas silenciadas, oboes murmurantes y
Las trompetas sombrías, el ambiente general del Adagio es sereno y espacioso. A pesar de la
El movimiento lento no es en absoluto fúnebre: no se oye un
rastro de una marcha fúnebre o una referencia al Réquiem. Está ambientada en mi mayor, como la
trío precedente, y tan sobrecogedoramente bello en algunos lugares-escuchen la entrada del
oboes y trompas- que se encuentra entre las obras maestras más conmovedoras de Haydn. Más
que el luto, este Adagio trae consuelo: es un bálsamo, no un sermón.

El dramático final, marcado como Presto alla breve, es urgente e implacable. Basado en un
tema al unísono, el movimiento final explora los límites exteriores del contrapunto,
culminando en un feroz doble canon. Haydn cierra en mi menor, la tonalidad de casa,
en lugar de la esperada mayor paralela.

Entre 1929 y 1931, Ravel trabajó simultáneamente en dos notables y
Conciertos para piano notablemente diferentes. Uno es oscuro e intenso, escrito para la izquierda
mano. Paul Wittgenstein, el pianista austriaco que lo encargó, perdió su mano derecha
El otro concierto (a dos manos), en sol mayor, es ágil y
enérgico. Ravel, un pianista dotado, lo había concebido como una obra de concierto para sí mismo.
Desgraciadamente, para cuando se terminó, estaba enfermo y ya no tenía la
la resistencia necesaria. Pidió a la pianista Marguerite Long que hiciera el estreno,
que dirigió el 14 de enero de 1932.

En 1931, mientras daba los últimos toques al Concierto para piano en sol, se
explicó que fue "escrito con el mismo espíritu que los [conciertos de] Mozart
y Saint-Saëns". "La música de un concierto debe ser desenfadada y brillante, y
no busca la profundidad ni los efectos dramáticos", continuó. "Se ha dicho de
ciertos clásicos que sus conciertos fueron escritos no "para" sino "contra" el piano. I
Estoy muy de acuerdo. Tenía la intención de titular este concierto "Divertissement". Entonces
Se me ocurrió que no era necesario hacerlo porque el título "Concierto" debería
sea lo suficientemente clara".

Una escucha más atenta
A pesar de sus características inusuales, la obra está estructurada como un clásico convencional
concierto, en tres movimientos contrastados. En la agitada y humorística introducción,
el piano traza delicados arpegios mientras el piccolo y la trompeta interponen salsas
réplicas. Un sensual clarinete evoca la obra de Gershwin Rapsodia en Azul, mientras que el piano
aporta ritmos espasmódicos y sincopados. Tras un mágico interludio empapado de arpa, el
Vuelven los temas descarados de jazz.

El lustroso Adagio assai, el centro mozartiano del concierto, no es tan sencillo como
suena. Como escribió el pianista Long: "Un día le dije a Ravel lo ansioso que estaba, después de
toda la fantasía y brillante orquestación de la primera parte, para poder mantener la
cantabile de la melodía en el piano solo durante tan largo, lento y fluido
frase.... '¡Esa frase fluida!' gritó Ravel. '¡Cómo he trabajado sobre ella compás a compás! Es
casi me mata".

El final es breve pero complejo, salpicado de cambios de tonalidad y de una orquestación inusual
texturas, especialmente del trombón y el fagot. Animadas florituras de percusión
recuerdan el movimiento de apertura, y el concierto termina con un alegre estallido.

Nacido en Buenos Aires de padre español y madre italiana, Ginastera (él
se pronuncia a la manera catalana: JEE-na-STAIR-uh) comenzó su formación en el conservatorio en
de 12 años. En 1942 obtuvo una beca de la Fundación Guggenheim, que utilizó unos años
más tarde para estudiar con Aaron Copland en Estados Unidos.

Idealista y franco, Ginastera se ganó muchos enemigos políticos en su native
Argentina. En 1952, un año antes de escribir Variaciones concertantesperdió su
en el Conservatorio de Música y Música de Argentina.
Arte Escénico en La Plata, que había fundado y dirigido desde 1948. Él
ofendió a los Perón al negarse a cambiar el nombre del conservatorio por el de Eva, la
la poderosa esposa del presidente. Privado de su puesto académico (al menos hasta que Juan Perón
Ginastera se ganaba la vida componiendo películas y haciendo uso de su talento.
aceptando encargos al azar. Pasó los últimos doce años de su vida en Ginebra,
Suiza.

Ginastera, un artesano meticuloso, tendía a destruir cualquier esfuerzo que considerara
insatisfactorio, y rara vez estaba satisfecho. Lo que pasaba por su filtro era
oro puro. Aunque sólo dejó 54 opus numerados, la mayoría permanecen en activo
repertorio.

El nacionalismo y sus descontentos
A finales de su vida, Ginastera clasificó sus obras en tres períodos generales, que
identificados como: nacionalista objetivo (1934-1948), nacionalista subjetivo
(1948-1958) y neoexpresionista (1958-1983). Escribió Variaciones
concertantes en 1953, en el punto medio de su período de madurez. A diferencia de su música anterior,
que a menudo citaba las melodías y danzas folclóricas de su tierra natal, en Variaciones
concertantes todos los significados "nacionalistas" son implícitos, no explícitos. "Esta obra tiene un
carácter subjetivo argentino", explicó el compositor. "En lugar de emplear
material folclórico, se obtiene una atmósfera argentina mediante el uso de
melodías y ritmos".

Ginastera Variaciones concertantes fue un encargo de la Asociación Amigos
de la Música en Buenos Aires. La orquesta de esa organización, dirigida por Igor
Markevitch, estrenó la obra el 2 de junio de 1953. La obra consta de dos
interludios instrumentales (el primero para cuerdas, el segundo para vientos), que sirven de
de ocho variaciones distintas y coloridas.

Una escucha más atenta
Casi todos los instrumentos de la orquesta tienen su turno de protagonismo. Ginastera
asigna un instrumento solista, una pareja o un grupo diferente a cada una de las variaciones, que
varían en duración desde lo fugaz hasta lo sustancial. De inmediato, en el lento y abrasador
introducción, el arpa y el violonchelo enuncian el tema, que incorpora uno de los
marcas estilísticas del compositor: las notas E-A-D-G-B-E. Estas son, no
casualmente, los mismos tonos que se tocan en las cuerdas abiertas de una guitarra en
afinando.

Tras este interludio de cuerdas turbiamente fecundo, se despliegan las variaciones. La primera, titulada
"Variazione giocosa", es una cabriola juguetona, dominada por la flauta, con
cuerdas en pizzicato. En la "Variazione", igual de anticuada, pero algo más nerviosa
in modo di Scherzo" (Variación en el estilo de un Scherzo), el clarinete instiga al
de la orquesta.

En la "Variazione drammatica" (Variación dramática), la viola canta un desgarrador
cadencia emotiva, asistida por los vientos y las cuerdas bajas. La más larga de las variaciones,
es una inquietante exploración de la armonía modal. El fagot y el oboe están en primera línea
para la "Variazione canonica", una búsqueda y contemplaciónative
del tema. La trompeta y el trombón llevan la corta pero memorable
"Variazione ritmica" (Variación rítmica). En la "Variazione in modo di moto
perpetuo" (Variación en el modo de movimiento perpetuo), metales, vientos y timbales
preceden al turno del violín en el lugar del solista, otro movimiento cadencial que
infunde una técnica virtuosa con una pirotecnia de carácter folclórico. A continuación, en la "Variazione
pastorale" (Variación pastoral), un riff lírico y conmovedor de trompa sobre el tema
hasta que casi parece una llamada de caza reimaginada por Chet Baker.

Tras un interludio para los vientos, el contrabajo, ligeramente reforzado por el arpa de reserva
arpegios, retoma el tema principal, tal como se presentó en la introducción. El alocado final
variación, "Variazione in modo di rondo", es una
un subidón de endorfinas sin pausa, repleto de acordes de cuerda manual, audazmente sincopados
percusión, y vamps jazzy gershwinescos. Además del rondó, un antiguo
forma de danza que alterna un estribillo y episodios contrastados, Ginastera se inspiró en el
tradición del malambo para crear esta variación, que utiliza notas repetidas para imitar el
el golpeteo, el zapateo y el roce de los pies de los gauchos que bailan. Malambo, que uno
erudito descrito como "una batalla entre hombres que zapatean a su vez al ritmo de la música", conserva su
caché cultural. El Festival Nacional del Malambo se celebra cada año en el
Provincia de Argentina.

"Iberia" es la segunda de las tres obras cíclicas tituladas colectivamente Imágenes
Orquesta-que Debussy compuso entre 1905 y 1912. El conjunto fue inicialmente
planeado para dos pianos, pero Debussy decidió que requería una paleta más rica
que contienen colores más atrevidos y diversos. Con Imágenesexplicó, "Estoy tratando de
escribir otra cosa, realidades, por así decirlo, lo que los imbéciles llaman
El "impresionismo", un término empleado con la mayor inexactitud, especialmente por el arte
críticos, que lo utilizan como etiqueta para pegar a Turner, el mejor creador de misterio de la
todo el arte".

Bocetos de España
Un tríptico dentro de un tríptico, "Iberia" es un retrato de España en tres partes. Presenta un
movimiento medio, más lento y meditative, rodeado de un movimiento de celebración
movimientos exteriores. Aunque "Iberia" abunda en melodías de influencia morisca y
ritmos de inspiración latina, la experiencia vivida por Debussy en el país era mínima: él
pasó una sola tarde en San Sebastián, asistiendo a una corrida de toros, y volvió a casa
a Francia antes del anochecer. Según el compositor español Manuel de Falla,
La única excursión de Debussy a España, por breve que fuera, le dejó una vívida
impresión de "la luz en la plaza de toros, en particular el violento contraste entre la
una mitad del anillo inundada por la luz del sol y la otra mitad sumida en la sombra".

Una escucha más atenta
El movimiento de apertura, "Par les rues et par les chemins", animado y luminoso
(Through Streets and Lanes), combina agrias disonancias, ritmos de pisotón y
chispeantes digresiones melódicas. A continuación, el hipnótico nocturno "Les parfums de la
nuit" (Las fragancias de la noche) traza los contornos escurridizos de un sueño: borroso
armonías, tempos sinuosos, campanas lejanas. Finalmente, "Le Matin d'un jour de fête"
(Morning of a Feast-Day) rebosa de vertiginoso jolgorio. "Suena como una música que
no se ha escrito", observó Debussy. "Hay un vendedor de sandías y
niños silbando-¡Los veo todos claramente!"