No se equivoquen: Puede que Florence Price no sea un nombre conocido, pero siempre fue extraordinaria. Nacida como Florence Beatrice Smith, en Little Rock (Arkansas), de padre dentista y madre profesora de piano, dio su primer recital de piano a los cuatro años y su primera composición se publicó apenas siete años después. Se graduó en su instituto católico segregado a los 14 años, siendo la mejor de la clase. Estudió piano y órgano en el Conservatorio de Nueva Inglaterra de Boston -una de las pocas escuelas de música que admitían estudiantes negros- y se graduó con honores en 1906, obteniendo una doble titulación en órgano y educación musical.

Tras su graduación, Price fue contratada para dirigir el departamento de música de la Clark Atlanta University de Atlanta. En 1912 se casó con el abogado Thomas J. Price, con quien tuvo dos hijas y un hijo. Vivieron en Little Rock, la ciudad natal de Price, hasta 1927, cuando un linchamiento público les motivó a abandonar el Sur de Jim Crow.

Como muchas familias negras durante la Gran Migración, los Price se trasladaron al norte en 1927, principalmente para encontrar mayores oportunidades en lo que esperaban que fuera un entorno menos racista. Inspirada por la activa cultura musical de Chicago, Price entró en un periodo especialmente fértil como compositora y comenzó a establecerse como concertista de piano y organista, al tiempo que se ganaba la vida como profesora de piano, organista de películas mudas y escritora de canciones publicitarias.

En 1931 Price se divorció de su marido y se fue a vivir con una amiga. También entabló importantes amistades y creative colaboraciones con cantantes negras, sobre todo con la legendaria contralto Marian Anderson. En 1932, su Sinfonía nº 1 en mi menor ganó el Concurso de Composición Wanamaker y fue interpretada al año siguiente por la Orquesta Sinfónica de Chicago, dirigida por Frederick Stock.

Sin embargo, en general, Price se vio limitada por el sexismo y el racismo institucional de su país. En 1943, prácticamente rogó al director musical de la Orquesta Sinfónica de Boston, Serge Koussevitzky, que programara su obra: "Tengo dos desventajas", escribió, "las del sexo y la raza". "Soy una mujer y tengo algo de sangre negra en mis venas".

Nunca volvió a tener noticias de Koussevitzky. Desgraciadamente, Price se vería excluida del mundo de la música de concierto y su considerable obra quedaría prácticamente olvidada.

El precio escribió Bailes en los Canebrakes para piano solo en 1953. Moriría ese mismo año a causa de un derrame cerebral. La suite orquestal fue creada poco después de la muerte de Price por el destacado compositor, arreglista y pedagogo afroamericano William Grant Still (1895-1978).

A pesar de que Price compuso más de 300 obras, entre ellas cuatro sinfonías, cuatro conciertos y numerosas obras para coros y conjuntos de cámara, su trabajo fue descuidado durante su vida y durante décadas después de su muerte. En 2009 se descubrió accidentalmente un tesoro de su música inédita en su antigua casa de verano de St. Desde entonces, los musicólogos han conseguido reconstruir algunas piezas que antes se daban por perdidas o incompletas, y la música de Price está disfrutando de un renacimiento largamente esperado.

Una escucha más atenta

Bailes en los Canebrakes se compone de tres movimientos continuos, cada uno de los cuales tiene su propio título descriptivo. El primero, "Nimble Feet", teje riffs de ragtime joplinescos en tapices del romanticismo tardío. El segundo, "Tropical Noon", despliega un estilo "slow-drag" con ritmos de swing sincopados. En este movimiento central, Price contrasta una sección lírica y soñadora con un segmento más agudo y agresivo. El final, "Silk Hat and Walking Cane" (Sombrero de seda y bastón), evoca tanto los bastones de madera de moda que se blandían en los salones de baile como el "bastón" de los "canebrakes". Los canebrakes eran densos matorrales de caña, hierbas invasoras altas y resistentes que los equipos de negros esclavizados se veían obligados a despejar para poder plantar algodón. La tarea solía durar varios días, lo que significaba que los trabajadores podían acampar y disfrutar de un poco de música durante un raro momento de ocio.

Los bailes originales de los canebrakes, como nos recuerda el título de Price, no tenían lugar en los salones de baile, sino en los pantanos y marismas, en lugares de trabajo brutales, donde eran interpretados por personas esclavizadas de ascendencia africana, personas que llevaban pañuelos y sombreros de paja, ciertamente no seda y otras galas. La música de Price ocupa un reino enrarecido propio, que de alguna manera contiene tanto el salón de baile como el cañaveral, el dandi y el esclavo, el ocio y el trabajo.

"Intento principalmente ser americano en el sentimiento de mi música", explicaba George Gershwin en 1936, un año antes de caer en un coma fatal provocado por un tumor cerebral. Definir nuestro sonido nacional es complicado: la cultura estadounidense siempre ha sido una mezcolanza. El estilo de Gershwin era un potente elixir de jazz, blues, canciones artísticas, lamentos hebreos sagrados, canciones de Europa del Este y baladas de Broadway. El Gran Cancionero Americano estaba aún en construcción, aún sin nombre, y Gershwin, aunque no podía saberlo en ese momento, era uno de sus principales autores.

Sus padres, judíos rusos pobres, emigraron a principios de la década de 1890. Se conocieron y se casaron en Nueva York, instalándose primero en un barrio judío del Lower East Side. Ira, su primer hijo, nació en 1896. Dos años después, cuando llegó George, la familia vivía en Brooklyn y había cambiado su nombre de Gershovitz a Gershvin. George, cuyo nombre de pila era Jacob, acabó cambiando su apellido por el de "Gershwin", y el resto de la familia siguió su ejemplo.

Aunque George no empezó a tocar el piano hasta los 12 años, su don era evidente. A mediados de la adolescencia, ganaba $15 a la semana escribiendo canciones en Tin Pan Alley. Tras unos años como pianista de ensayo en Broadway, consiguió un trabajo escribiendo melodías para una editorial musical. En 1919 consiguió su primer gran éxito, "Swanee", con letra de Irving Caesar. En colaboración con Ira, un talentoso letrista, siguió escribiendo una serie de éxitos en Broadway.

El clásico descaro

Después de quedar maravillado por la primera actuación en el Carnegie Hall de Rapsodia en AzulEl director de orquesta Walter Damrosch encargó a Gershwin un concierto para piano y orquesta. Gershwin compuso el Concierto para piano en Fa entre el 22 de julio y el 10 de noviembre de 1925. El estreno tuvo lugar el 3 de diciembre de 1925, con el compositor al piano.

Tras aceptar el encargo de Damrosch, Gershwin compró inmediatamente un libro sobre composición. A pesar de varios años de formación en armonía y orquestación, no estaba preparado para improvisar. Su intención era escribir un concierto legítimo, acorde con las convenciones de la forma sonata.

Hizo todo eso y más con su Concierto para piano, un embriagador cóctel de clasicismo europeo y descaro americano. Gershwin sigue la mayoría de las viejas reglas, pero su mundo sonoro ultracontemporáneo habría alarmado a Brahms y su círculo. Los metales y la percusión tempestuosa dominan los primeros momentos del Allegro, y luego el solista conjura una vorágine de variaciones, que van desde lo delirante hasta lo demoníaco. Aquí Gershwin expone la mayoría de las ideas musicales que animarán los dos movimientos siguientes. Este Allegro, microcosmos de todo el concierto, contiene multitud de ideas.

En el bluesy Adagio, el piano añil y la trompeta silenciada dan paso al hipnótico ajetreo del Andante con moto, que cierra el movimiento central. El Allegro agitato final, una agitada repetición del material temático anterior, aporta un poco de fanfarronería de Broadway a su "grandioso" replanteamiento del tema principal.

Sobrino del influyente músico de jazz King Oliver, Kay empezó a tocar el piano, el violín y el saxofón de niño. Estudió en la Universidad de Arizona, donde atrajo la atención de William Grant Still, que le sirvió de mentor. Durante sus estudios de posgrado en la Eastman School of Music, Kay estudió con Howard Hanson. Entre 1941 y 1942, siguió estudiando en Yale con el mundialmente conocido violista y compositor neoclásico Paul Hindemith.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Kay sirvió como músico en la Marina de los Estados Unidos, y luego obtuvo una beca que le permitió matricularse en la Universidad de Columbia, donde se embarcó en estudios adicionales con Otto Luening. De 1949 a 1953 vivió y estudió en Roma, con una beca Fulbright aumentada por el prestigioso Prix de Rome, que Kay ganó dos veces. A su regreso de Italia, Kay trabajó para la organización de derechos de ejecución Broadcast Music, Inc. hasta 1968, cuando fue nombrado profesor distinguido del Lehman College de la City University de Nueva York. Allí enseñó durante 20 años antes de jubilarse.

En 1958, Kay fue designado por el Departamento de Estado estadounidense para representar a Estados Unidos en una gira por la Unión Soviética, una especie de cumbre de compositores en la que también participaron Roger Sessions, Peter Mennin y Roy Harris (al año siguiente, Dmitri Shostakovich y Dmitri Kabalevsky viajaron a Estados Unidos como parte de la delegación soviética). En 1960, Kay era lo suficientemente famoso como para aparecer en un anuncio de los cigarrillos Lucky Strike en Ébano revista.

Además de sus numerosas obras sinfónicas y corales, Kay escribió cinco óperas. La New Jersey State Opera estrenó su última ópera, Frederick Douglassen 1991. Cuatro años más tarde, murió, a los 78 años, por complicaciones de la enfermedad de Parkinson.

Kay escribió Conjunto teatral en 1968 por encargo de la Junior League de Atlanta. Está estructurada en tres movimientos: Obertura, Balada-Música de Persecución y "Final". Kay la calificó como su homenaje a la "música de espectáculo sin citar ninguna melodía teatral popular".

La dedicó al director de orquesta Robert Shaw, que dirigió la Orquesta Sinfónica de Atlanta en su estreno ese mismo año.

Bernstein escribió la música para West Side Story en 1957, tras años de colaboración en borradores abandonados. El musical, un reinicio urbanizado de la obra de Shakespeare Romeo y Julieta con pandilleros adolescentes en disputa en lugar de Capuletos y Montescos, fue un éxito rotundo desde la noche del estreno. Cuatro años después, Bernstein extrajo nueve secciones de la partitura para crear una suite orquestal, que tituló Danzas sinfónicas de West Side Story. Con sus conmovedores temas de amor (de "Maria" y "Somewhere"), los calientes ritmos cubanos y la síncopa sexy/cool, la suite transmite el patetismo y el peligro del guión sin utilizar ninguna palabra, excepto "Mambo", que Bernstein indicó que debían gritar los músicos en los intervalos prescritos.

Con una letra escrita por el joven (y entonces relativamente desconocido) Stephen Sondheim, "America" es una de las canciones más memorables de West Side Story. Las letras salvajemente ácidas de Sondheim se adaptaron ligeramente para reflejar ciertos cambios en la trama de la versión cinematográfica, pero toda la energía propulsora y el humor sarcástico permanecen intactos. La instrucción de tempo de Bernstein es Tempo di HuapangoEl baile es un estilo de danza folclórica mexicana que se ejecuta sobre plataformas de madera. Caracterizado por una compleja estructura rítmica derivada de la mezcla de metros dobles y triples -la música de Bernstein presenta compases alternados de 6/8 y 3/4-, el clásico huapango se baila por parejas, a menudo en grupos grandes. A veces, las parejas que bailan intercambian bromas descaradas, como hacen los Sharks masculinos y femeninos en las versiones cinematográficas de West Side Story.

Sondheim, fallecido el pasado mes de noviembre, dijo que Bernstein afirmaba haberse encontrado con el huapango ritmo de baile mientras estaba de vacaciones en Puerto Rico, lo que le dio la idea para la canción. Varios años después, mientras revisaba una caja de papeles de Bernstein, uno de los amigos de Sondheim desenterró un ballet no producido llamado Ciudad de la Concha que incluía la misma melodía. Sondheim creía que Bernstein se inventó la historia de las vacaciones para que la melodía pareciera más relevante para su proyecto actual. En cualquier caso, teniendo en cuenta lo que Bernstein hizo con la música, no podemos quejarnos si decidió reciclar una melodía digna pero olvidada para servir a una historia mejor.