El salvaje y extraño catálogo de Guillaume Connesson abarca todos los géneros principales: obras
para orquesta, conjuntos de cámara, instrumentos solistas, voz (solista, coral, operística)
y el cine. Sus partituras se basan en lo que él llama "el complejo mosaico de la
mundo contemporáneo", armando un collage armónico a partir de fragmentos de
Beethoven, Messiaen, James Brown; Ravel y Reich; John Coltrane y John
Williams.

Maestro colorista, Connesson estudió en el Conservatorio Nacional de Región de
Boulogne-Billancourt y el Conservatorio de París, ganando primeros premios en coral
dirección, historia de la música, análisis, composición electroacústica y
orquestación. Después de terminar sus estudios formales, siguió recogiendo premios y
honores, tanto en su native Francia como a nivel internacional, incluyendo el codiciado premio Nadia
y el Premio Lili Boulanger en 1999.

En 2017 Connesson completó su alucinante suite sinfónica Ciudades de Lovecraft
(Ciudades de Lovecraft), un poema tonal tripartito inspirado en Howard Phillips (H.P.)
Lovecraft's Ciclo de los sueños. En Ciclo de los sueñosel icono de la ficción extraña delineado con cariño
sus paisajes oníricos, un proyecto de recuperación de la conciencia con hachís, el
subconsciente, y la obsesión romántica por recuperar la percepción del niño,
esa infusión fresca y sin intermediarios de lo sublime, que inunda los sentidos.

Lovecraft describió este proyecto en "Celephais", el Ciclo de los sueños historia que sirve como
el título del primer movimiento de Connesson: "No hay muchas personas que sepan
qué maravillas se les abren en las historias y visiones de su juventud; porque cuando
de niños escuchamos y soñamos, no pensamos más que en pensamientos a medias, y cuando como
Los hombres que tratamos de recordar, estamos embotados y prosaicos con el veneno de la vida".
Cuando "Celephais" termina, el soñador, rebautizado como Kuranes, preside benignamente
su dominio onírico tachonado de minaretes, adorado como un dios.

Connesson escribió Ciudades de Lovecraft para cumplir con un encargo de 2016 del
Filarmónica de los Países Bajos, que realizó el estreno mundial. La primera grabación
de la obra fue editada por Deutsche Grammophon, como parte de los dos discos Perdido
Horizonte con Stéphane Denève al frente de la Filarmónica de Bruselas; Perdido
Horizonte También se presentó el Concierto para violín de Connesson (Les Horizons Perdus). En 2019
Esta última obra le valió al compositor su segunda Victoire de la Musique Composer of
del año.

Una escucha más atenta
Celephaïs es a la vez el primer movimiento de Ciudades y un poema tonal cambiante en
su propio derecho, haciendo gala de una pintura tonal en Technicolor y de rótulos lovecraftianos como "El
El Palacio de Cristal Rosa de las Setenta Delicias". A lo largo de sus ricas imágenes de nueve
de minutos, se deleita con los contrastes neoclásicos y las interrogaciones del free-jazz,
pasando de lo dulce a lo amargo, de lo tonal a lo disonante, de lo trágico a lo triunfal. Agitado
Los riffs stravinskianos se convierten en escabrosas fanfarrias; los desplantes engendran tiernas rapsodias. El
El movimiento termina como empezó, en un éxtasis.

Un extracto de "Celephaïs" de Lovecraft:
"Kuranes [el soñador] estaba ahora muy ansioso por volver a los minaretes
Celephaïs, y aumentó sus dosis de drogas; pero finalmente no tenía más dinero
y no podía comprar drogas. Entonces, un día de verano le echaron de su buhardilla,
y vagó sin rumbo por las calles, pasando por un puente hasta llegar a un lugar donde
las casas se fueron adelgazando. Y fue allí donde llegó el cumplimiento, y él
se encontró con el cortejo de caballeros que venía de Celephaïs para llevarlo allí para siempre.
[…]

" [E]ntonces los vapores luminosos se separan para revelar un mayor brillo, el
brillo de la ciudad Celephaïs, y la costa del mar más allá, y el pico nevado
con vistas al mar, y las galeras alegremente pintadas que salen del puerto hacia
regiones lejanas donde el mar se encuentra con el cielo".H.P. Lovecraft

Habla el compositor
"Esta obra nació de mi fascinación por el escritor estadounidense Howard
Phillips Lovecraft. Cuando la Orquesta Filarmónica de los Países Bajos me pidió un
quería escribir un gran poema sinfónico sobre él. Ya lo hice
Cuando era adolescente, mi primera pieza orquestal fue sobre
[Lovecraft], pero lo había dejado más o menos de lado durante los últimos 20 años. Entonces
lo redescubrí y me dije que era el momento de volver a este universo.
Lo que me interesaba era crear un gran fresco, con mucho color, algo
barroco, muy explosivo, y todo esto estaba presente en Lovecraft. Así que encontré el
imágenes allí que alimentaran mi imaginación orquestal.

Nacido en West Chester, Pennsylvania, de padres educados y acomodados, Samuel
Barber parecía destinado a una vida en la música. Su tía, la distinguida contralto
Louise Homer, y su marido, el compositor Sidney Homer, fueron esenciales desde el principio
mentores. Comenzó a tocar el piano a los seis años; un año después escribió Tristeza para el solo
piano. A los nueve años comenzó su primera ópera e informó a su madre, por carta, que "estaba
no estaba destinado a ser un atleta [sic]. Estaba destinado a ser compositor, y estoy seguro de que lo seré".

Antes de que Barber entrara en la adolescencia, ya era organista en un
iglesia. En 1924, a los 14 años, se matriculó en el recién inaugurado Instituto Curtis de
Filadelfia, donde estudiaría piano, voz, composición y dirección de orquesta.
Curtis también le proporcionó el amor de su vida, su compañero de estudios y compositor Gian-Carlo
Menotti, que se convertiría en un colaborador esencial. Barber sólo tenía 26 años cuando
escribió Adagio para cuerdas-según algunos informes, la pieza más interpretada de
La música de concierto estadounidense del siglo XX. Recibió dos veces el premio Pulitzer
Premio de Música: en 1958 por su ópera Vanessay en 1963 por su Concierto para piano
y la Orquesta.

Idilio de Knoxville
Peluquería terminada Knoxville: Verano de 1915 en 1947. Fue un encargo del
La soprano estadounidense Eleanor Steber, que la cantó en el estreno mundial, el 9 de abril,
1948, con la Orquesta Sinfónica de Boston dirigida por Serge Koussevitzky. Primeros pasos en
Las críticas fueron algo decepcionantes, aunque la obra se insinuó rápidamente
en el repertorio principal, gracias en parte a las lecturas trascendentales de gente como
Leontyne Price, Renée Fleming, Dawn Upshaw y Jeanine de Bique.

El propio Barber eligió el texto, por razones nostálgicas. "Siempre había admirado a Mr.
La escritura de [James] Agee", escribió, "y este poema en prosa me impactó especialmente
porque la tarde de verano que describe en su ciudad sureña native me recordó
tanto de tardes similares, cuando era niño en casa".

Aunque Agee escribió las palabras desde la perspectiva de un niño -que, como Agee, era
nacido y criado en Knoxville, Tennessee, rodeado de un entorno solidario y creative
La obra de Barber suele ser interpretada por una soprano y rara vez por un tenor.
(El tenor Russell Thomas canta una versión de recital que resulta muy atractiva, en reducción de piano,
que se insta a buscar en Internet). El texto abiertamente autobiográfico de Agee comenzó
como un poema en prosa, publicado en una revista literaria en 1938. Tras su muerte en 1955,
el poema en prosa fue reciclado póstumamente como preámbulo de Una muerte en el
Familiaque ganó el Premio Pulitzer tres años después.

El año 1915 fue especialmente significativo para Agee porque fue su último verano
con su padre, que murió tras un repentino ataque al corazón en 1916. El propio padre de Barber,
Roy Barber, murió en 1947, al igual que su querida tía Louise. Ese mismo año Barber
compuso su ajuste de Knoxville: Verano de 1915que dedicó a su
la memoria del padre.

Una escucha más atenta
El comentario de Leontyne Price de que "se puede oler el Sur en él" podría ser el
la descripción más precisa de Knoxville: Verano de 1915. Barber identificó su uno-
forma de movimiento como "rapsodia lírica". Señaló que el poema en prosa de Agee "expresa una
el sentimiento de soledad, asombro y falta de identidad del niño en ese mundo marginal
entre el crepúsculo y el sueño".

La música, besada por el jazz y el blues, parece armarse sola, casi
de forma improvisada, a partir de un motivo cantado por las maderas que brota como el canto de los pájaros en un
tarde de verano. A pesar de los bocinazos esporádicos y otros ruidos urbanos, el ambiente de la
La música es hechizante y silvestre, una meditación de una noche de verano. Los ritmos son
fácil, conversacional: el verso libre se desliza hacia la corriente de la conciencia. Cuando el
niño sucumbe al sueño, confiamos en que sólo fomente visiones puras y restauradorasative.
La "rapsodia lírica" se convierte en una especie de bendición, ya que el niño expresa su
gratitud y reza por su querida familia, luego se queda dormido, suspendido en
posibilidad.

Desanimado por la escasa respuesta a su Cuarto Concierto para Piano y a su Tercer
Sinfonía, Sergei Rachmaninoff no escribió nada en absoluto entre 1937 y 1939. Él trasteó
sobre su hija enferma, se quejó de su agotador calendario de viajes como
pianista de concierto, y luchaba por equilibrar las responsabilidades de la carrera y la familia.
Pero en el verano de 1940, en una finca alquilada en Long Island, el hombre de 67 años
virtuoso comenzó a escribir lo que se convertiría en Danzas sinfónicassu último trabajo realizado
trabajo. Ahora que por fin tenía espacio y tiempo libre para centrarse en la composición y
ensayando, no hizo mucho más desde las 9 de la mañana hasta las 11 de la noche.

El 21 de agosto, escribió a Eugene Ormandy, director de orquesta de Filadelfia
Orquesta y el eventual dedicatario: "La semana pasada terminé una nueva pieza sinfónica,
que, naturalmente, quiero dar primero a usted y a su orquesta.... Lamentablemente, mi
La gira de conciertos comienza el 14 de octubre. Tengo que ensayar mucho, y no
saber si podré terminar la orquestación antes de noviembre. Debería
estaría muy contento si, a su regreso, se dejara caer por nuestra casa. Me gustaría
tocar la pieza para ti".

A pesar de su afirmación, la pieza estaba inacabada. Incluso durante su agotadora gira de conciertos,
Rachmaninoff siguió trabajando en Danzas sinfónicasorquestando la tercera
movimiento y corrección de pruebas de la partitura en casi todas las paradas del hotel. Ensayos
se desarrolló sin problemas, y Ormandy dirigió el estreno el 3 de enero de 1941.
El público se mostró entusiasmado; la crítica, decepcionada. El compositor mostró
su habitual ingenio seco y autodespreciativo. Como señaló con pesar en una entrevista en un periódico, "Es
debería haberse llamado simplemente Bailespero tenía miedo de que la gente pensara que tenía
escribió música de baile para orquesta de jazz".

Impugnación de la muerte
En 1942, Rachmaninoff revisó su Cuarto Concierto, pero no escribió música nueva.
Aunque había estado en contacto con el influyente coreógrafo Michel Fokine
sobre la creación de un ballet a partir del BailesFokine murió en agosto. Luego, en febrero
1943, tras un recital en Knoxville, Tennessee, Rachmaninoff enfermó gravemente de
síntomas causados por su melanoma recién diagnosticado y tratado desde hace tiempo. El 28 de marzo,
cuando le faltaban pocos días para cumplir los 70 años, el recién estrenado ciudadano estadounidense murió en
su casa en Beverly Hills.

Aunque una vez expresó su deseo de ser enterrado en el mismo cementerio de Moscú
donde fueron enterrados Scriabin y Chejov, los restos de Rachmaninoff acabaron en
Valhalla, Nueva York. Según sus descendientes, ese fue su último deseo.
Desde al menos 2015, los representantesative de la familia del compositor han conseguido
luchó contra una reclamación del gobierno ruso para repatriar los restos de Rachmaninoff, el
que su tumba ha sido descuidada y "descaradamente privatizada" en
su país de adopción. "No pensamos ir en contra de su voluntad, por lo que sus restos
quedarse donde estaban enterrados", su tataranieta, Susan Sophia
Volkonskaya-Wanamaker, declaró a la BBC en 2015.

Una escucha más atenta
La última partitura de Rachmaninoff es una obra intensamente autobiográfica, un resumen de su
una despedida, si no un mapa de su psique. La música es ricamente alusiva
e intertextual: la conmovedora aparición de un tema de su Primera Sinfonía, que
decepción aplastante, al final del primer movimiento; citas en el tercero
movimiento del gregoriano Canto del Dies irae (al que había vuelto
obsesivamente a lo largo de su carrera) y el canto ortodoxo ruso "Bendita sea la
Señor", que ya había utilizado en su Vísperasde 1915; fragmentos de eslavos
melodías y danzas, así como un posible guiño a la obra de Rimsky-Korsakov
ópera El gallo de orola única música de otro compositor que Rachmaninoff
trajo consigo cuando dejó su native Rusia en 1917.

Concebido originalmente como un ballet, Danzas sinfónicas evolucionó hasta convertirse en un
obra orquestal que representa el último período de Rachmaninoff en su mejor momento de opulencia. Rico
en armonías excéntricas, cambios dramáticos en la métrica y una instrumentación inusual
(mira ese solo de saxofón alto en el primer baile), evoca un multiverso de
emoción y posibilidad expresiva, desde la vagamente amenazante y claramente
Non allegro, al espeluznantemente seductor vals central, al tétrico pero
final eufórico.