La profunda conexión de Rodríguez con la DSO se remonta a su etapa como compositor residente bajo la dirección de Eduardo Mata. En 1967, cuando la DSO seleccionó el Adagio para pequeña orquesta de Rodríguez para un programa destinado a jóvenes compositores, el native de San Antonio era aún estudiante en la Universidad de Texas en Austin. Adagio fue su primera obra para orquesta. Con el paso de las décadas, la DSO interpretaría una docena más de sus composiciones, siete de ellas por encargo.

El primer encargo de la DSO fue Favola Boccaccesca, en 1979, poco después de que Mata fuera nombrado Director Musical de la DSO. Mata interpretó la obra en una gira y la grabó con la Sinfónica de Louisville. Para la temporada 1982-83, cuando Rodríguez ejerció de compositor residente, la DSO encargó e interpretó Oktoechos, un concerto grosso para ocho solistas y orquesta, y Trunks, una "historia de circo para narrador y orquesta".

Apasionado defensor de los compositores contemporáneos, Rodríguez también ayudó a organizar una nueva serie musical, trayendo nuevo repertorio a la DSO y promoviendo nuevas voces entre sus compañeros. Cuando terminó su residencia, siguió colaborando con Mata como asesor, revisando partituras y recomendando obras para programar. Obtuvo numerosos premios internacionales de composición, entre ellos una beca Guggenheim y el Prix Lili Boulanger. Desde 1975 forma parte del profesorado de música de la Universidad de Texas en Dallas, donde actualmente ocupa la cátedra de arte y estudios estéticos y dirige el conjunto de música de cámara Musica Nova. Donald Johanos dirigió la Sinfónica de Dallas en el estreno mundial de Adagio en abril de 1967, bajo los auspicios de la Fundación Rockefeller.

Habla el compositor

"Adagio para pequeña orquesta (1967) fue mi primera obra para orquesta. Yo estudiaba en la Universidad de Texas, en Austin, y la Orquesta Sinfónica de Dallas la estrenó. También fue la primera pieza que llevé a Nadia Boulanger en París cuando comencé mis estudios con ella en 1969, y me dijo: 'Has nacido para escribir música'.

Compuesto para flauta, clarinete, oboe, dos trompas, dos fagotes y cuerdas, el Adagio es una adaptación sencilla y cancioneril de la forma sonata. Su tema lírico de apertura se repite, seguido de una breve frase de cierre, un desarrollo y una recapitulación condensada. Aunque el lenguaje tonal "pre-Rodríguez" inspirado en Copland de esta obra temprana difiere marcadamente de las complejidades armónicas de partituras más recientes, quedan "huellas" melódicas, texturales y estructurales que revelan indicios de mis obras posteriores." - Robert Xavier Rodríguez

Nacido en Reno, Nevada, Shepherd se licenció en composición e interpretación con fagot en la Jacobs School of Music de la Indiana University Bloomington. Completó sus estudios de posgrado y doctorado en la Juilliard School y la Universidad de Cornell, respectivamente. En 2021 sus composiciones se presentaron en los festivales de música de cámara de Tanglewood y Santa Fe. Dos años más tarde recibió el premio Charles Ives Living Award 2024, que incluye un estipendio de dos años que permite a los galardonados componer a tiempo completo. Vive en Chicago con su marido y sus dos hijos.

La música de Shepherd ha sido encargada e interpretada por las orquestas sinfónicas de la BBC, Chicago, Minnesota, Montreal, Nacional y del Nuevo Mundo, así como por importantes conjuntos europeos como L'Ensemble intercontemporain, el Scharoun Ensemble Berlin y el Birmingham Contemporary Music Group. En 2023, su obra vocal a gran escala en un día clarocon un coro internacional de jóvenes cantantes, fue estrenada por Kent Nagano y la Philharmonisches Staatsorchester Hamburg en el Carnegie Hall. Celosía, su intrincada obra a dúo para la violinista Leila Josefowicz y el violonchelista Paul Watkins, se estrena mundialmente este verano.

Habla el compositor

"Cuando necesito sentirme arraigado en la nueva música madura que intento escribir, me refugio en cosas antiguas de todo tipo. No busco necesariamente música o ideas que emular, pero es reconfortante recordarse a uno mismo que es probable que todo se haya hecho antes. La expresión multi-solista -una pequeña banda unida (o apoyada, o genuflexa, o mimada, o enfrentada, o engullida) por la gran banda en el escenario detrás de ellos- es algo muy antiguo. Se puede reflexionar sobre el concierto barroco italiano, en el que el ripieno (¡relleno! con lo que nos referimos tanto a la orquesta completa como a la música que proporcionan) es crucial para la estructura de la pieza, o el perfectamente encantador de Mozart Sinfonía Concertante, tan típicamente llenas de carácter, a la altura del virtuosismo que fluye de la pluma del compositor a las manos de los músicos. Y podemos tomar nota, cuando nos preocupemos por los títulos de nuestras flamantes Sinfonía Concertante con Ripienoque el concierto de Beethoven para tres héroes-solistas igualmente esenciales da lugar al más directo de los opus-sobriquets: El Triple.

No le corresponde a este autor decir con qué facilidad "el cuádruple de Shepherd" saldrá de la lengua en el siglo XXIII. Pero incluso si las conexiones de esta pieza con los grandes del pasado son filosóficas en el mejor de los casos, lo que comparto con muchos compositores de conciertos es una profunda conexión con mis musas. Mi historia con cada uno de estos directores y brillantes solistas de la DSO comenzó en otro lugar. Erin Hannigan y Gregory Raden estrenaron, hace varios años, una pieza que escribí sobre el deshielo de los glaciares. Sus primeras notas de esa pieza, extremadamente agudas y suaves, describiendo un prístino y helado país de las maravillas, fueron tocadas tan maravillosamente en el primer ensayo, que nunca he olvidado el sonido ni la sensación. Con David Buck y Ted Soluri nuestras diversas historias de mi música y sus echt Sus virtuosismos se remontan a años y décadas atrás, hasta una pieza titulada "Four Vinaigrettes", en la que un Dave en edad estudiantil interpretó la pieza más diabólicamente difícil jamás concebida por un joven de 22 años sobre los aliños ácidos para ensaladas.

"Al final, la historia de esta pieza es tan simple como una broma que se vuelve seria. Son mi equipo ideal de viento madera. '¿No sería estupendo escribir una pieza para ellos? dije una vez demasiado a menudo. Y en ese caso, estoy seguramente en el más antiguo y a la vez más raro de los clubes de compositores. Afortunado (afortunado, afortunado, afortunado) yo". -Sean Shepherd

Mendelssohn aprovechó al máximo su breve y encantadora vida. Sus adinerados padres se aseguraron de que recibiera la mejor educación posible. Convirtieron su mansión de Berlín en una sala de conciertos dos veces al mes, promocionando a su joven hijo como un prodigio musical. Cuando tenía 12 años, conoció al anciano Goethe, que se deshizo en elogios hacia él: "Lo que ya logra [Mendelssohn] guarda la misma relación con el Mozart de entonces que la charla cultivada de una persona adulta con el parloteo de un niño". Antes de salir de la adolescencia, Mendelssohn había completado un centenar de composiciones, entre óperas, cuartetos, conciertos y un magnífico octeto para cuerdas. A los 20 años ya había escrito su famosa obertura para El sueño de una noche de verano de Shakespeare y dirigido la Pasión de San Mateo de Bach con gran éxito.

En la primavera de 1829, el joven y experimentado compositor fue invitado a Inglaterra para varios compromisos de alto nivel. Ese verano, una vez finalizada la temporada de conciertos, partió hacia Escocia en compañía de su amigo y también compositor Karl Klingemann. Allí Mendelssohn comenzó su Sinfonía nº 3, "Escocesa", una especie de memorias de viaje en forma sinfónica. A pesar de su riqueza y de su interioridad general, optó por vivir a la intemperie, viajando con Klingemann de Londres a Escocia a pie y en autocar durante una sola semana. La belleza agreste y romántica de las Highlands le inspiró profundamente, al igual que la costa occidental y la isla de Staffa, que dieron lugar a su obertura de concierto Las Hébridas.

Aunque la Escocesa fue la quinta y última sinfonía que Mendelssohn completaría, fue la tercera en publicarse, lo que explica su número. La empezó en Escocia, pero la dejó de lado al marcharse y no reanudó su trabajo hasta 1841. Terminó la partitura en enero de 1842 y dirigió a la Orquesta de la Gewandhaus en el estreno mundial en Leipzig el 3 de marzo, seguido por el triunfal estreno en Londres unos meses más tarde. Pidió a la Reina Victoria, ferviente admiradora y música aficionada, si podía dedicarle la sinfonía, y ella consintió con entusiasmo.

Una escucha más atenta

Aunque Mendelssohn estructuró la Escocesa en cuatro movimientos, omitió las pausas convencionales entre ellos, lo que da a la sinfonía la sensación de una obertura de concierto o de un poema tonal. Conservó los dieciséis compases preliminares que había esbozado más de una década antes en la carta a su familia, utilizando la idea para la introducción lenta y, en una ligera variación, para el tema principal, cantado inicialmente por oboes y violas, grave y encantador sobre vientos y trompas.

Si el Andante inicial es oscuro y turbulento, el Vivace non troppo es un rayo de sol pasajero, un breve respiro de la penumbra. Aunque Mendelssohn no hace ninguna cita directa en esta sección en forma de scherzo, toma prestados elementos estilísticos de la música folclórica tradicional escocesa, como la escala pentatónica y el llamado snap escocés, una figura rítmica sincopada de corta duración equivalente a una semicorchea seguida de una corchea. Algunos estudiosos afirman que el segundo movimiento puede representar las impresiones de Mendelssohn sobre un concurso de gaitas, al que asistió después de los oficios religiosos en la catedral de Durham.

El Adagio cambia a La mayor serena, intercalando pasajes líricos besados por el arpa con una marcha fúnebre que podría ser una referencia a la ejecutada María, Reina de Escocia, cuya historia Mendelssohn conocía por la lectura de María Estuardo de Friedrich Schiller, una tragedia en verso.

El final vuelve al jolgorio folclórico escocés del Vivace antes de pasar a una inusual coda, que anuncia un majestuoso tema nuevo en La mayor. Este final armónico ha suscitado cierta controversia a lo largo de los años, pero la mayoría de los directores de orquesta actuales optan por presentar la coda tal y como Mendelssohn la concibió, en lugar de sustituirla, por ejemplo, por la adaptación más sombría de Otto Klemperer.